General Effect is about the complete concept of the show, have everything related!
As an example: in Indonesia many corps have problems to do “transitions”. A transition is a moment between two songs, or a moment to chance equipment for the colour guard.
It is many times seen that a song stops with a climax, everything stops and everyone is asking themselves: “What happens?”

When you visit a good musical and there was a nice climax the show goes on with something that attracts the attention of the audience. In corps this can be done by a single colour guard dancing or a special intro from the pit or something else but DON’T STOP after a climax! You will loose the attention of the audience and judges and it will take quite some while to attract this attention again!

Same goes for equipment changes for the guard, many times this happens when the corps does not move, The guard is running to the side to pick up new equipment so everybody is looking to that running guard, does not make any sense because the guard is only running! You should have another focus point in the show so people don’t see that the guard is picking up new flags because they’re looking to something else! Imagine the surprise when the all of a sudden the guard has other equipment without anybody noticing!

What to think about all those drills where the corps moves all the time as three different units? In Indonesia the drumline is often not an integrated part of the display! They are hanging in the back or on the side, during a percussion feature in front but seldom they are an integrated part of the display!
For the integration of the guard things became better over the last years but many corps still have a problem with integrating the guard in the complete show design!

Some corps play sweet songs and their display consists of blocks or triangles, does not fit! Sweet songs come with arcs and smooth lines, blocks and triangles go together with aggressive music!
Flag colours and shapes are also part of GE, using triangle formed flags with hard colours does not fit sweet songs!

Please evaluate your shows and see if these comments fit your scores on GE, I will be back on more special issues about judging on www.trendmarching.or.id
These comments are meant to be neutral and of use for all instructors of corps and marching bands in Indonesia. It does not make sense to criticise judges or systems, it only makes sense to build a better show concept!

Wil Bijl
Certified judge for DCE (Drum Corps Europe)
Writer for Drum Corps World

• Ulasan GPMB 2009 Indonesia
• Wil Bijl Facebook
• Drum Corps World

I think it’s great when a band or a band program has a style or look that is its own.  Many marching bands perform a certain type of music well, usually driven by the interests of the director.  This sense of a particular “identity” can be a strong plus for a program.

However, I want to encourage all directors to take some chances and “mix it up!”  Even if you have a certain genre or style of music that your band performs well or traditionally is known for, I suggest that you stretch those boundaries and try some new things.

In the genre of classical music we have everything from Haydn to Stravinsky and beyond.  Jazz can be Dixieland or Pat Metheny, and Broadway shows range from “Mame” to “In the Heights.”

Allow your band, your staff, and yourself to grow.  Try challenging yourself to take a different route, or at least stretch into something a little out of your comfort zone.  Your audience, fans, and students will benefit and appreciate something different.

Almost every school owns the equipment for a front ensemble: a number of marimbas, so many vibes, a microphone or two, maybe a xylophone. But the major issue around the nation is a lack of information about how to: A play these instruments, or B create a definite, defined quality of sound. With this article I will describe some basic fundamentals behind a full quality of sound from the keyboard percussion section of the front ensemble.

First on the list of fundamentals is velocity. Just as in marching percussion velocity in keyboard percussion is key for a: full, vibrant, outdoor sound quality. Consider for a second that in the world of physics and percussion height does not equal sound, but rather velocity equals sound. So by that conclusion you can apply that knowledge to keyboard percussion.

A quick disclaimer though; velocity does not mean savagery. Don’t beat the instruments, but with velocity behind a full stroke the sound quality of the instrument will only be enhanced and amplified. Push too far though, and the quality will distort. The opposite is true as well, barely touching the keys with mallets will only make the instruments whisper.

Consider the human voice, when a person speaks normally the voice has a certain quality to it. If that same person were to yell his or her voice would distort, crack, or become hoarse. These same truths can be applied to instruments. A normal MF volume falls in the best range of many instruments. However, when pushed to a FF or FFF range many instruments begin to falter, break, or lose quality of sound. To continue the analogy of the voice, when a person speaks quietly the voice still sounds like a voice, whereas if a person whispers all of the quality of sound of the voice is gone.

This prior analogy goes hand in hand with the idea of velocity based strokes. A small stroke with no velocity can be likened to a whisper; it contains little quality of sound. Whereas a small stroke that still contains velocity equates to a person speaking quietly. Velocity will create a quality of sound that can then be defined with heights. A 12″ stroke with no velocity is as useless as a 3″ stroke with no velocity. When defining heights it is important to remember that all of the strokes will still contain the same amount of velocity. Each height may be different, but the ingredients will still be the same.

Think of a stereo, when you alter the volume the quality doesn’t change (except for the very extremes); instead the quality remains the same you just receive less or more of whatever you may be playing. So a 3″ stroke should contain the same velocity of a 12″ stroke, however it is expended over a smaller distance, thus creating a smaller sound; but ,hopefully, with great quality.

How much is too much? This question always comes up in regards to teaching velocity and the answer comes in two parts. When your ear tells you it’s correct, then you’re getting close. If the sound coming from the section isn’t right and you feel you’ve tried everything else, the answer could be more, or less velocity. The next tell-tale sign of too much velocity is distortion and breakdown. If perhaps you find your group constantly breaking equipment too much velocity may be being employed. Also if you find the quality of sound coming from the keyboards to be very brash, you can assume that the amount of velocity is bringing the instrument to its point of distortion. And each set of equipment is a little different. One brand of instrument will have a different point of “maxing” out than another brand; play around until you find the ceiling!

In conclusion Keyboards should not be considered percussion instruments that “take no technique.” True you can just “hit” a keyboard instrument, but to create quality, a system must be developed. The first step in the system is to realize that velocity is not just for drums, but for all percussion. Don’t be afraid to teach velocity in outdoor keyboard percussion, once harnessed velocity will create a sound quality that is unattainable via mallets, or amplification alone. Remember that an amplified whisper is still just that, a whisper.

Suatu pandangan teoritik terhadap Marching Percussion Indonesia

“The common problems of this two bands are leadership” (Jonathan Fox; ketika membuka komentar di saat masa komentar babak final drumbattle DMC 2009 antara The Beaters Vs BC)

Setiap acara besar marching band seperti GPMB dan DMC, pasti tersisa makna positif yang bisa dipetik. Belum lama GPMB 2008 dan DMC 2009 berakhir, tetapi menurut pandangan saya begitu banyak ilmu yang bisa diserap dari kegiatan ini.

Dalam hal ini saya lebih membahas ke masalah ilmu marching band. Semua pembahasan dalam artikel kali ini berangkat dari kutipan komentar Jon Fox.

SKILL ADALAH SEGALANYA

Leadership yang dimaksud Jon Fox disini lebih ke organisasi musik, alias komposisi musik.

Seperti umumnya pandangan para perkusionis marching Indonesia, skill adalah segalanya. Dan tidak bisa dipungkiri ada orang-orang yang menstratakan tingkat skill sesuai dengan alat yang dipegangnya. Biasanya sesuai urutan yang paling atas adalah, Snare Drum, Tenor, Bass Drum dan yang paling bawah adalah marching cymbal. Banyak orang yang akan bangga sekali bila ditempatkan di snare drum atau merasa sebaliknya bila ditempatkan di marching cymbal.

Tetapi kita harus memahami dulu definisi dari skill tersebut. Skill atau keahlian menurut kamus besar bahasa Indonesia (KBBI) adalah kemampuan yang mendalam terhadap bidang tertentu. Disini tertulis kemampuan yang mendalam, yang berarti kalo kita hubungkan dengan konsep marching band adalah pengetahuan mendalam dari segala aspek baik musikalitas maupun visual tidak hanya pengetahuan rudimental semata.

Pada dasarnya skill musik pada marching percussion terdapat dalam beberapa aspek, dalam hal ini saya berasumsi semua unit mempunyai skill rudimental yang sama rata. Beberapa diantaranya :

• Efektifitas skill tersebut Jim Casella pernah bercerita tentang bagaimana dia dulu menyeleksi penempatan snare drum di Santa Clara Vanguard. Konsep dasarnya adalah dia tidak perduli seberapa banyak not, rudiment dan visual yang kalian peragakan tapi kalau itu diluar konteks musikal, ‘it’s nothing’.
• Penempatan Terkadang kita ingin mengeluarkan semua skill dan kemampuan kita pada seluruh lagu, tetapi bila berada di tempat yang salah, maka skill itu tidak akan bersinar. Dalam hal ini kita harus kembali pada konsep dasar; musikalitas. Skill yang baik dapat maksimal pada tempat yang tepat saja. Konsepnya kembali ke sifat dasar alami manusia, yang bila ‘terlalu’ akan jadi tidak menarik. Berarti ‘terlalu’ banyak skill yang ditonjolkan maka secara alami itu tidak akan jadi menarik alias monoton. Penempatan ini juga berhubungan dengan posisi display. Bagaimana mungkin skill cymbal akan dilihat juri kalau dia berada di belakang bass drum.
• Keseragaman materi skill antar section Dalam hal ini sangat penting untuk pelatih menyeragamkan skill semua lini agar tidak terjadi ketimpangan sehingga harmonisasi tercipta.  Pada dasarnya semua berangkat dari snare drum yang match grip, setelah dipecah ke beberapa seksi, maka masing-masing mengembangkan keahliannya di seksi masing-masing. Paradigma snare drum adalah yang paling hebat membuat stagnansi kemampuan alat di seksi lain seperti tenor, bass drum dan marching cymbal.

JURI

Nah, dalam pandangan saya skill memang segalanya, tapi skill yang bagaimana yang segalanya? Skill yang mencakup semua aspek diatas. Bukan hanya skill rudimental yang tak terkonsep ataupun skill yang hanya
membela ego orang tertentu bukan kepentingan tim. Bila hanya snare drum yang beraksi terus menerus memamerkan skill-nya berarti secara tim mereka gagal.

Hal seperti ini sering terjadi di dunia per-marching band-an Indonesia. Suatu tim bisa mendapat nilai perkusi tinggi sekali hanya karena snare drum-nya sangat menonjol dalam segi skill rudimental. Kemampuan skill snare drum yang menakjubkan tersebut membuat seksi lain seperti tenor, bass drum,
cymbal dan pit section tertutupi atau tidak begitu diperhatikan untuk dinilai. Begitu juga sebaliknya. So pathaetic that kind of judge!(James Ancona)

Pandangan juri yang seperti ini yang membuat stagnansi seksi lain. Karena seksi lain kurang dievaluasi. Akibatnya kepentingan tim perkusi secara utuh tidak begitu dihargai, dan ini sangat melenceng dari konsep dasar musikal dan bisa sangat berpengaruh buruk terhadap perkembangan tim perkusi yang seharusnya satu
kekuatan yang solid tanpa ada ego skill antar seksi.

Juri sangat berperan penting dalam pemahaman paradigma perkusi yang musikal dan berkualitas. Namun terkadang perkembangan pengetahuan juri kalah oleh peserta yang dinilainya.

MUSIKALITAS

Setelah pemaparan beberapa aspek diatas, ada satu benang merah diantaranya, yaitu musikalitas yang ensemble dan harmonis.

Musikalitas tercipta dari kematangan konsep dan komposisi musik. Komposisi musik yang baik tercipta dari beberapa aspek juga, yaitu:

• Yang mempunyai alur cerita dan kerangka komposisi yang teratur Komposisi dasar biasanya mempunyai, intro, isi lagu, jembatan transisi, reff., closer. Tujuan utamanya adalah untuk menyampaikan pesan lagu dan konsep dengan baik dan jelas. Penggambarannya seperti ini : Bila ada seseorang menyerang kita secara mendadak tanpa basa basi, kita otomatis akan bersikap bertahan dan penasaran disaat penyerangan terjadi. Akibatnya adalah penyerangan tersebut hanya terasa pada saat itu saja tanpa dikenang lama, dan mental penasaran kita akan terkumpul untuk melakukan serangan balik. Tetapi bila kita menyerang dengan konsep dan komposisi yang jelas, maka serangan itu akan dikenang lama karena kita memainkan mental dan emosi lawan, sehingga serangan itu menancap di hati.
• Yang bisa menciptakan efek suara atau mempertahankan efek suara Originalitas sangat dihargai dalam aspek ini. Ide adalah sesuatu yang tidak bisa dihargai hanya dengan nilai materi.Bila efek suara tercipta dan bisa dimengerti dengan jelas hanya dengan menggunakan peralatan marching percussion menurut saya itu sangat original. Contohnya, suara gendang, suara pukulan, tembakan, suara besi berderit, suara rel, suara beatbox dan lain sebagainya. Efek suara ini berperan sangat penting dalam pencapaian emosional pada efek musik.Komposisi perkusi yangmerupakan perpaduan antara rhytmitik dan melodius juga berperan penting dalam kenyamanan pendengar sehingga akhirnya tercipta efek musik yang berkesan.
• Organisasi music yang saling bersinergi Kata lainnya adalah harmonisasi antar seksi sehingga tercipta ensemble yang berkesan.Dalam hal ini keterlibatan antar seksi dimaksimalkan seimbang. Tidak ada yang menonjol sehingga menjadi satu kesatuan yang kuat dalam menggempur lawan. Yang ditonjolkan adalah kekuatan tim.
• Klimaks Lagu yang baik adalah yang mempunyai klimaks agar emosi yang penasaran tadi dapat mendapatkan jawaban dan puas.Klimaks sering disalah artikan sebagai closer, atau disalah artikan sebagai sesuatu yang berakhir keras dan megah.Klimaks adalah sesuatu yang merupakan jawaban dari gejolak penasaran emosi penonton tadi. Sesuatu yang bisa membuat emosi sedikit lega. Sesuatu yang cukup kuat dirasakan dalam bagian lagu. Klimaks bisa berdinamika keras ataupun lembut. Klimaks biasanya terdapat diantara 2/3 dari lagu. Sedangkan Closer atau sisa dari 2/3 tadi adalah penegas klimaks. Musik yang baik dan bisa dinikmati
  biasanya mempunyai klimaks di antara 2/3 lagunya. Coba perhatikan! Terutama musik klasik yang melegenda.
• Tension Bow Dalam menciptakan satu komposisi kita harus memikirkan untuk memainkan emosi penonton. Ini diperlukan agar tidak terjadi monoton dalam satu komposisi. Untuk itu sesuai dengan kerangka lagu, kita harus masukkan tipe aransemen yang sesuai dengan grafik tensinya. Pengulangan tensi yang sama akan memicu kemonotonan.Caranya adalah berbekal kerangka lagu, kita harus langsung buat grafik tensi, sehingga emosi penonton terus bergejolak dan penasaran karena mendapatkan tensi yang berbeda tiap bagiannya.Tension bow sangat berguna untuk mewujudkan aspek-aspekdiatas.

LEADERSHIP

Setelah memahami pemaparan diatas baru kita bisa mengerti sekali apa maksud dari komentar Jon Fox .

Marching Percussion adalah alat musik. Jadi mainkanlah dengan musikalitas yang baik agar namanya tetap menjadi alat music.

Konsep musikalitas diatas harus diterapkan dalam membuat komposisi Marching Percussion, baik di individual contest, drumbattle, percussion contest maupun bermain secara full team.

Masing-masing mempunyai tingkat kesulitan tersendiri, tergantung bagaimana kita menyikapinya secara konsep-konsep dasar musikal tidak hanya sekedar kemampuan rudimental. Peran pembuat materi sangat tinggi disini.

Leadership : Dalam suatu pagelaran batterie percussion kendali utama dibagi rata ke setiap seksi untuk menonjolkan harmonisasi tim. Konsep dasarnya adalah mengenyampingkan ego antar seksi .

Maksud kendali utama adalah, ada saatnya bass drum yang beraksi dan seksi lain menjadi pendukungnya, ada saatnya tenor yang menyerang dan seksi lain back up, begitu seterusnya. Keadaan ini dirancang sedemikian rupa dengan konsep yang matang berdasarkan teori dasar musikalitas tadi. Itu yang terbaik.

Dengan menghilangkan strata skill di batterie percussion maka siapa aja bisa menjadi pemimpin dalam satu pagelaran. Dan pada akhirnya komunikasi antar seksi akan tercipta sehingga koordinasi pun lancar.

Keterlibatan antar seksi juga adil dan merata, dan pada akhirnya yang menentukan terbaik antar tim bukanlah masalah ‘sepele’ seperti leadership, skill, visual, dan lain sebagainya, tetapi adalah eksekusi di lapangan.

Yang bisa memunculkan efek musik dan visual secara konstan, yang bisa mempertahankan grafik, konsep dan alur lagu, yang bisa menjaga emosi tapi stabil membuat emosi lawan atau penonton bergejolak, yang bisa mendapatkan klimakslah yang terbaik.

Mungkin langkah awal yang bisa kita lakukan adalah :

1. Pahami lagi konsep skill dan musikalitas

2. Jangan terpaku hanya kepada snare drum saja dalam exploitasi ego skill.

3. Pahamilah! Setiap seksi mempunyai keunikan skill masing-masing yang bisa dieksploitasi secara mengesankan.

4. Lebih digali lagi pengetahuan terhadap seksi yang lain dengan syarat tidak boleh anggap remeh terhadap seksi yang lain.

5. Jangan beralasan karena pelatih adalah mantan pemain snare drum sehingga exploitasi snare drum terjadi.

6. Jangan beralasan karena hanya paham dan nge-fans dengan snare drum, seksi lain jadi kurang diperhatikan dalam memaksimalkan ilmu dan skillnya.

7. Mainkanlah Marching Percussion-mu sebagai alat musik dan sesuai dengan konsep dasar musik bukan sebagai alat untuk menunjukkan ego skill rudimentalmu.

Demikianlah pemaparan ini sebagai suatu pandangan saya terhadap keadaan perkusi Indonesia. Pandangan ini merupakan kumpulan hasil dari obrolan dengan orang-orang hebat di bidang perkusi maupun musik secara keseluruhan, diantaranya : Jonathan Fox, Kosin, James Ancona, Jim Casella, Ralph hardimon, Andy Dougharty dan Eric Awuy. Semoga dapat berguna!! Keep on Music!! Viva Marching Band Indonesia!!

• Optimalisasi Pearl Marching Bass Drum
• Techniques Latihan untuk Front Ensembles(Pit)
• Profile Adi Yunimon Noer

Full specifications :

General	Brand :	Premier Revolution Series Indoor Marching Snare Drum
	Model :	PRE REVO 14×7 38207 EBC
	Status :	Available.
	Distributor Indonesia	Wijaya Music Jl.Pasar Baru No.12 Jakarta Pusat 10710 . Mala, Rajendra : Ph:+62-21-3442154 / 3860672 / 3442767, Fax: +62-21-3802234
Ukuran	Dimensions	14×7 inch
	Weight
Gambar		Tampak depan PRE REVO 14×7 38207 EBC
		Tampak bawah PRE REVO 14×7 38207 EBC
		Tampak depan PRE REVO 14×7 38207 RC
Warna (Drum Finishes)		Flame Red Lacquer (RC)
		Black Lacquer (EBC)
		Ivory White Lacquer (IWC)
Design (Featuring)		“B.S.A.” Bilateral Snare Adjustment technology (patent pending)
		Aluminium and GFL (glass filled nylon) componentry for added strength and reduced weight
		Die cast Aluminium rims
		Die cast Aluminium suspension rign
		6mm / 6ply Birch free floating shell.
		Shell internally lacquered for increased response and warm tone
Head		Cybermax batter head by Remo USA.
Harga(PCS)	PRE REVO 14×7 38207 EBC	Rp 9.046.000
	PRE REVO 14X12 38214EBC	Rp 9.292.000
	CARRIER VEST SNAR/ TEN CON	Rp 738.000.00
	RKS SNR ADAPT ROD HTS 184	Rp 425.000.00

PRE REVO 14×7 38207 EBC masuk dalam jajaran produk Premier Revolution Series Indoor Marching Snare Drum. Snare drum untuk marching ini hampir sama spesifikasinya dengan model 38214 14×12 EBC, yang membedakan dari segi ukuran dimensinya. Jenis PRE REVO 14X7 38207 EBC di produksi untuk kalangan pemakai dalam ruangan tertutup(Indoor Marching Snare) dan sangat cocok dipakai marching band tingkat SMP, SMA walaupun tingkat Unversitas dan Umum juga sangat mungkin menggunakan alat ini.

Redaksi sempat bertanya-tanya kenapa Premier mengeluarkan size 14×7 ini sementara di Indonesia kalangan marchers lebih suka memakai ukuran 14×12. Revo ukuran 14×7 ini di klaim Premier Percussion memiliki daya tahan dan modernisasi model. Diciptakan untuk memenuhi keinginan masa depan marching percussion ensemble. Inovasi dan pengembangan Premier ini menghasilkan snare drum unik yang bisa anda pakai bagi band anda dengan kualitas suara yang bersih.

Key Feature PRE REVO 14×7 38207 terletak bahan pembuatnya dari New Aluminium dan G.F.L (Glass Filled Nylon) yang memiliki kekuatan daya tahan dan awet, serta mengurangi berat snare jika digunakan bersama carrier. Bahan dari New Aluminium memang lagi trend dan banyak digunakan oleh industri untuk membuat peralatan elektronik yang ringan. Redaksi mencoba memainkan alat ini dalam posisi berjalan dan diam sangatlah ringan. Jika seorang pemain snare drum memainkan alat ini pastilah konsentrasi pemain tidak akan terganggu lagi terhadap beban yang dipakai, maksudnya pemain tidak akan kecapean menyandang alat ini dan bisa lebih fokus pada display and showmanship. Pemain yang sudah biasa memakai snare drum yang berat pastilah tidak sulit beralih ke perangkat ini tinggal adaptasi dalam latihan-latihan rutin akan memudahkannya. Kelebihan lainnya adalah Premier mengembangkan design teknologi baru yang dalam proses di patent kan dengan nama”B.S.A.” Bilateral Snare Adjustment technology, rahasia didalam teknologi ini nampaknya dirahasiakan pabrik Premier, redaksi masih belum paham detail maksud teknologi ini, tapi dalam bahasa marketing mempatenkan suatu teknologi dalam suatu produk sudah menjadi nilai jual ke konsumen.

Kalau kita lihat pada bagian Full Specification pada Gambar tampak bawah PRE REVO 14×7 38207 terdapat 16 strand snare cartridge.
Foto lebih detailnya sbb :

Dipadu dengan New “Blasted Chrome” sebagai hardware finish, maksudnya perpaduan 16 strand snare cartridge dengan Blasted Chrome membuat alat ini tidak mudah kendor atau rusak. Jika kita berkali-kali membuka dan menutup tuas 16 strand snare cartridge. 16 helai tali snarenya tidak mudah kendor dan putus walau seketat apapun kita dalam mengunci snare drum head. Walaupun berukuran 14×7 Shell di dalam snare ini tetap dapat menghangatkan bunyi yang dikeluarkan karena didalam shell nya sudah di pernis untuk memproduksi response getaran via stick dan dapat membulatkan bunyi(tone) yang keluar dari alat ini.

Hal yang menarik lainnya adalah pada drum head dimana menggunakan Cybermax Batter Head by Remo USA dengan feature high tension, offer exceptional strength, responsiveness, precision and stability. Saat menggunakan PRE REVO 14X7 38207 dengan memainkan Tripplet dan Diddles pada bagian Batter Head Cybermax Remo ini, redaksi merasakan respon yang sangat cepat dan baik dengan stick dan tidak terlalu berpengaruh dengan tinggi rendahnya settingan pada drum head. Suara yang dihasilkan sangat kuat dan bulat tedengar jelas nyaring dan tidak kotor. Cybermax ini memang sangat cocok digunakan pada ruangan indoor dalam permainan solo maupun ensemble. Cybermax Batter Head Remo ini juga bisa digunakan di oudoor tapi redaksi belum mencobanya secara langsung.

Secara keseluruhan dari uji coba redaksi:

Kualitas produksi suara yang dihasilkan snare drum ini sangat bersih dan fokus, kontrol stick dan snare sangat nyaman.
Designnya bergaya(style) futuristik dan finishes yang bagus, mekanisme struktur konstruksi hardware ditambah Cybermax Batter Head Remo membuat snare drum ini gagah digunakan ditambah dimensi sizenya 14×7 menjadikan snare drum ini ringan, mudah di bawa dan di rawat serta hemat tempat jika di packing bersama perlengkapan alat marching lain seperti tom dan bass drum.

Kelemahannya snare drum ini harus berada pada suhu yang tidak boleh panas, minimal disimpan dalam ruangan sejuk atau ber AC. Hal ini membuat kalau latihan di outdoor usahakan jangan saat terik matahari.

*Owner Trendmarching

Sumber : http://www.trendmarching.or.id ]]> http://library.marchingband.web.id/2008/10/24/review-pre-revo-14%c3%977-38207-ebc/feed/ 1 http://library.marchingband.web.id/2008/10/05/history-of-the-snare-drum/ http://library.marchingband.web.id/2008/10/05/history-of-the-snare-drum/#comments Sun, 05 Oct 2008 05:35:46 +0000 admin http://library.marchingband.web.id/?p=101 By many accounts the history of the snare drum dates back to the Tabor, pronounced “tay-bur” found in Medieval Europe around 1300. It was a doubleheaded drum that had a single snare strand called a Tabor. In the Middle Ages the tabor was often played in unison with a three-holed pipe flute. Modern European folk music continues the tradition to this day.

The use of a snare drum in the military, probably came directly from instruments that were used by the powerful Ottoman Empire’s armies in the 1500s.The Ottomans possibly influenced Swiss drummers, which in turn influenced their local drum builders.

It became very popular in the 1400s with the fife-and-drum corps of Swiss mercenary foot soldiers for relaying signals.This version of the drum was a very big instrument that was carried over the player’s right shoulder, secured by a strap.

This longer “side drum” became better known as a field drum. The drum heads were tensioned by pulling a rope, very much like lacing a shoe. The method was to lace a cord in a W or Y pattern around the shell. Around the same time frame the European version of the snare drum spread to other countries. England had similar drums by the 1500s, although the name tabor was replaced with drome or drume.

In the 1600s, new methods of tensioning the drum were developed. This allowed the snares on field drums to be tightened more securely with screws. The former loose rattle sound of the snare’s gut was now more of a tight snap.

The increase in the tension on the drum heads allowed drummers to play faster and more complex rhythms. By the mid 1800s, snare drums were being built from brass and reduced in size for a higher pitched, crisper sound popular in symphony orchestras.

Classical music added the snare drum to provide color, or timbre, for march-like segments of music. In the 19th century it replaced the tenor drum of military bands. The sound of a marching snare is a classic military sound.

Modern Snare Drum Evolution

After 1900, drum and bugle corps increased the snare drum’s popularity. Metal counter-hoops were added to tighten the drumheads more efficiently. The now familiar coiled wire came into use for the snares.

Bringing the history of the snare drum into the modern era was its use in a trap-set. Traps were a mixture of drums, percussive insruments and cymbals assembled into a set of drums or drum set. This innovation was used in a variety of ways, including silent movies, jazz and ragtime music.

Rock-&-Roll emphasized a steady backbeat while Jazz use of the snare drum is known as comping, or supporting and interacting with the other musician’s in the band. In response to these popular music styles drum companies started making many different sizes and types of snare drums. Since the 1950s, improvements such as plastic drumheads and high quality snare throw-off mechanisms have allowed better sound control and great dependability.

The range of snare drums available today is staggering with many technical advancements in materials, shell design and hardware. That being said, the modern snare drum is still very much like its centuries old ancestors. The history of the snare drum has its roots as an Ottoman and Swiss military instrument. It has become the driving force behind many music styles around the world.

This is a great example of how this simple device evolved into an icon known the world over as the good ol’ Snare Drum.
The Tabor – An Ancient Precursor in the
History of the Snare Drum As We Know It.

Sumber : DrumMuffler.Com

Salah satu tujuan saya memberikan pemaparan pada episode sebelumnya adalah untuk menstimulasi rekan-rekan yang juga duduk ke pendidikan tinggi untuk juga berkontribusi terhadap kemajuan marching band di Indonesia. Dari unit yang mengikuti beberapa kejuaraan bergengsi di Indonesia seperti GPMB, beberapa berasal dari unit universitas. Dalam satu unit saja terdiri dari 80 sampai 100 anggota, berasal dari berbagai fakultas dan disiplin ilmu. Mari kita simulasikan ide sederhana ini:

1 unit marching band universitas = 80 calon sarjana/diploma = 80 topik skripsi/TKA

1 kejuaraan marching band biasanya terdapat 4 unit universitas x 80 personil = 320 calon sarjana/diploma.

320 calon sarjana/diploma = 320 skripsi/TKA = 320 ide/topik = 320 topik marching band

Lebih hebatnya lagi, di Indonesia, terdapat lebih dari 20 universitas yang memiliki kegiatan marching band, yang mana kalau semua berkontribusi dengan topik berbau marching band, maka akan terdapat 1600 TOPIK / IDE MARCHING BAND !! Dan ini baru satu angkatan saja. Sangatlah indah jika semua ini terjadi demi kemajuan marching band di Indonesia.

Ide-idenya pun barangkali tidak terlalu sulit dan bisa di relasikan dengan berbagai disiplin ilmu dan jurusan studi. Tidak harus mereka yang berasal dari jurusan musik dapat membuat skripsi tentang marching band, ilmu-ilmu eksakta seperti fisika, teknik elektro, mesin dan ilmu kehutanan pun bisa.

Salah satu ide yang saya kemukakan diatas barangkali bisa diperluas menjadi topik skripsi yang menarik, seperti:
1. Psikologi perkembangan anak dan drum band anak (psikologi),
2. Metode efektif dalam mengajar musik di marching band (pendidikan)
3. Sosio-komunikasi antar pemain marching band (ilmu komunikasi),
4. Leadership dalam sebuah marching band (managemen),
5. Standar akuntansi dalam marching band (akuntansi),
6. Unsur kebudayaan x dalam mempengaruhi kerja sama dalam latihan marching band (ilmu budaya/kesusasteraan)
7. Hal-hal yang mempengaruhi proses pengaratan alat tiup logam (kimia/farmasi)
8. Pengelolaan kayu x sebagai bahan dasar pembuatan snare drum / marimba (kehutanan/pertanian)
9. Proses pembuatan vibraphone menggunakan logam x (teknik mesin/eletro)
10. Proses penentuan frekwensi suara yang ideal pada bar marimba (instrumentasi/fisika)
11. dan lain-lain

Mengenai literatur dan referensi berkaitan dengan marching band, jangan takut. Internet adalah salah satu sumber luar biasa banyak untuk mengunduh semua sumber-sumber itu. Website seperti www.jstor.org dan proquest berisi ribuan bahkan jutaan artikel yang berasal dari jurnal-jurnal internasional, yang dapat kita unduh untuk melengkapi penelitian kita.

Masih banyak ide yang bisa muncul dari aktifitas yang kita gandrungi selama kuliah, pagi siang malam bersama latihan yang melelahkan dan menghabiskan waktu. Alangkah baiknya kesemuanya itu dirangkum dalam sebuah karya tulis yang akan diakui institusi tempat kita menimba ilmu. Sehingga secara tidak langsung para petinggi universitas, baik dosen, dekan dan rektor akan menghargai kegiatan marching band di Indonesia.

Ini adalah sebuah ide sederhana. Seperti kata pepatah, “kalau bukan kita, siapa lagi”, sangatlah tepat untuk memacu kita berkreasi di bidang pendidikan marching band. Selamat berkarya !!
Marbo

Ps: barangkali dengan mempelajari semua aspek dalam marching band, rekan-rekan bisa mendirikan perusahaan kecil untuk reparasi alat marching band, seperti di website ini: http://www.doctorvalve.com/ selamat mencoba… ]]> http://library.marchingband.web.id/2008/09/06/mari-mencerdaskan-per-marching-band-an-episode-2-habis/feed/ 3 http://library.marchingband.web.id/2008/06/03/metronome-practice/ http://library.marchingband.web.id/2008/06/03/metronome-practice/#comments Tue, 03 Jun 2008 02:50:33 +0000 admin http://library.marchingband.web.id/?p=84

By : Bryan Goff

Many of the benefits of practice with a metronome are quite obvious. When practicing a piece of music, the use of a metronome helps maintain a steady tempo throughout. A metronome is necessary for checking a composer’s tempo marking. Also, we have all used the practice technique of learning a new technical passage first at a slow tempo, then gradually and methodically increasing the metronome speed as we master the passage at each successive metronome mark.

Ask yourself, however, what proportion of your total practice time is actually done with a metronome each and every day?

The performance of music has a very critical relationship within time, and it is a very exacting relationship at that. In really fast passages your fingers and tongue must be coordinated on notes that occurring faster than 600 notes per minute. Think for just a moment about how many muscles are involved in controlling the embouchure, the tongue, the fingers, and the breathing process. These many, many muscles must all be totally coordinated. All of these physical actions must be precisely synchronized in a single point in time for a truly clean performance, to within perhaps hundredths of a second!

In addition to practicing new technical passages with a metronome, I offer the suggestion that you should try to do almost all of your “daily routine – fundamentals” practice with a metronome. Practice your lip slurs with a metronome. Practice your long tones with a metronome. Practice your tonguing exercises with a metronome. Practice your scales and Clarke’s Technical Studies with a metronome. The more total time you spend with your metronome, the more this tenacity for steady tempo and coordination will be driven into the subconscious. In other words, everything you play which has a steady tempo should be played with a metronome.

I didn’t have an opportunity to study with Carmine Caruso, but I remember an interesting conversation I once had with a sax player who studied with him. Apparently, when you arrived for your lesson (just go in – no need to knock) you would find both teacher and student foot-tapping together. Carmine would continue his ceaseless foot-tapping as the student packed up his instrument and you would get out your horn and join in the tapping. That foot-tapping would continue through the entire lesson!

I can only guess at Caruso’s rationale, but knowing how he always strove to “eliminate the variable factors”, I speculate that he was establishing an incessant rhythmic pulse with his students in order to perfectly coordinate all of the physical elements of playing within a precise point in time.

I believe that truly fine players are those who have developed a very keen sense of precise rhythm and an instinctive habit of coordination of their music within time. Increasing the total proportion of our daily practice which is coordinated with a metronomic beat will aid in developing this habit of strict temporal coordination. In addition to the traditional uses for your metronome, get in the practice of also using it during the routine parts of your daily practice – your warm-up, tone studies, etc. Remember: use it every day!

The traditional way to write ratamacues or any drag rudiments is with grace notes. The spacing and interpretation of the grace notes is left up to the performer.  The more modern way of writing drag rudiments is with a slach on a sixteenth note. This literally tells you that the “grace notes” are thirty second notes. However, the performer may choose to interpret them in a more slurred or chopped style.

Below is an exercise that isolates each part of the single ratamacue. It is very important that there is a clear distinction between the accents and the taps. The more contrast, the more appeal. All of the diddles should clearly be two notes … no more, no less.

Next is an exercise incorporating single, double, and triple ratamacues.

Now the fun begins. By incorporating beat shifting and accent shifting you find that ratamacues can be used in less traditional ways. Below is an exercise that may give you a few ideas of how you can use ratamacues in these situations. They are not just for breakfast anymore.

Finally, I would like to leave you with a street beat incorporating my favorite rudiment and my favorite visual, backsticking.

Dr. John Wooton

John Wooton is currently the Director of Percussion Studies at the University of Southern Mississippi. From 1988 to 1992 John served as Percussion Coordinator/Pep Band Director for University of Iowa Bands. A native of Lafayette, Louisiana, John received degrees from The University of Southwestern Louisiana, The University of North Texas and The University of Iowa. As an instructor and/or performer, John has been associated with five P.A.S.I.C. Marching Percussion Forum champions. He marched snare drum for four years with the Phantom Regiment Drum and Bugle Corps from Rockford, Illinois (1981 – 1984). During those years John held the Drum Corps Midwest Individual Snare Drum title, and placed in the top ten D.C.I. Snare Drum Individuals three consecutive years. From 1987 – 1989 John served as Percussion Caption Head for the Phantom Regiment Drum and Bugle Corps. For the 1991 and 1992 drum & bugle corps season John served as Program Coordinator/Percussion Arranger for the Night Express Drum and Bugle Corps form Cedar Rapids, Iowa. Dr. Wooton is presently serving as a member of the Percussive Arts Society Marching Committee.

Following are several exercises that work on basic rudiments. Each exercise isolates the individual hand and then puts them together to play the rudiment. There are obviously many more rudiments not listed here.

The last exercise, “Flamolation”, is an exercise still used by the Cadets of Bergen County Drumline. This exercise isolates each hand for several basic flam rudiments.

Thomas Aungst

Thomas Aungst is the Percussion Arranger and Caption-head for the seven-time D.C.I. World Champion, Cadets of Bergen Co. Drum and Bugle Corps. He is also the Percussion Director for the Dartmouth Public School System in Dartmouth, Massachusetts. Tom is the author of the instructional video, ìRehearsing The Contemporary Percussion Ensemble.” The video is published and distributed by the Cadets of Bergen County. He is an active clinician and endorser for Pearl Drums. Tom is also an endorser of Vic Firth Sticks and Mallets, Zildjian Cymbals, and Remo Inc.